viernes, 11 de abril de 2014

CONOZCAMOS A CARLOS CAÑAS

CONOZCAMOS A CARLOS CAÑAS



Carlos Cañas: "Ni muerto voy a ser valorado en este país"
Escrito por una entrevista de Carlos Chávez

El Premio Nacional de Cultura me tiene ya tan cansado. Me lo debieron haber dado desde que pinté el mural del Teatro Nacional, Y si me lo dan, lo rechazo, a no ser que sea la izquierda.”

Carlos Cañas, el pintor que hizo del Teatro Nacional su Capilla Sixtina, no deja de pensar cosas agudas. A los 85 años dice que es una porquería que el país no celebre el arte ni a los artistas. Que como si se tratase de una obra abstracta, se le malinterpreta. Que muchos lo odian sin razón. Que su casa, atiborrada de óleos y esculturas, se ha convertido en su propio y único museo, uno que le recuerda que es pionero del arte abstracto en El Salvador.
Asegura que cada día asume ser feliz, aceptando lo que niega: que no hay justicia para alguien que ha denunciado la injusticia con arte. Lo dice mientras ve en la distancia, desde la terraza de su hogar, la Catedral Metropolitana. Nota que en el paisaje ya no puede ver a la Universidad de El Salvador –donde impartió clases por más de 14 años– porque en la parte alta de la colonia Escalón los edificios brotan como espárragos de cemento.
El maestro viste jeans, camiseta negra y zapatillas celestes. En conjunción de sus gafas y su melena canosa parece un sosegado y longevo gurú. Camina despacio en su amplio estudio, donde hay colgados o apilados un sinfín de óleos, libros, aguatintas... Hay una olla precolombina de la que asoma la cola de un mapache. Y una foto color sepia, de cuando él tenía 40 años, que lo describe como alguien que antes aspiraba cigarros, que era más robusto, pero que no ha cambiado peinado. Sobre una mesita hay un libro titulado “Picasso et les maitres” y unas acuarelas que parecen frescas, figuras de mujeres deformadas que Cañas explica: “Ahora estoy en la irrealidad, porque me genera mayor sentido de la realidad, porque es libre. Soy libre”.
Un día antes de la entrevista, el jueves 21 de mayo, Cañas completó 54 años de matrimonio con Carmen, su esposa de 80 años. Una española de plática infinita, tanto que es casi su relacionista pública. Ese mismo jueves, en la noche, ambos asistieron, vestidos de negro y blanco, al Museo Forma, a la inauguración de una exposición titulada “Julia Díaz y sus amigos”.
Allí, ante muy pocos asistentes, se dijo que de la generación de ilustres artistas como Julia Díaz, Noé Canjura y Benjamín Saúl el único vivo era Carlos Cañas, “el Picasso de El Salvador”. Y le pidieron unas palabras. El clásico de clásicos tomó el micrófono y sin más reclamó. Dijo que a diferencia de Julia Díaz, al morir no sería recordado por los salvadoreños. Porque sus pinturas no se venden ni se promueven ni ocupan salas de ningún museo. El escueto y adinerado auditorio se quedó con los ojos como platos. Trataron de aplaudirle.
Dicen que Carlos Cañas pasa de ser afable a áspero en cuestión de segundos.
Sí, es cierto. Pero tiene sus aspectos del porqué. Cuando yo estoy en búsqueda de algo que me interesa para los demás, cualquier cosa me molesta y contesto fuertemente. Por lo demás, no; tengo una bondad excesiva. Me regalo excesivamente a la gente, aun en la educación y en todo.
¿Eso habría originado su salida en 2001 como director del CENAR (Centro Nacional de Artes)?
En parte sí. En parte fue porque teníamos un problema con los cubanos que habían venido a la orquesta juvenil del CENAR y otros señores que habían venido de afuera. Entonces yo me oponía a cosas como esa, así como a que hubiera profesores que ganaran sueldos sin presentarse. Y eso fue lo que llegó a crear ese problema con los jefes altos. Cuando protesté, me echaron. Incluso se me acusó de ladrón. Con la gente que estaba bajo mi mando no tuve problemas. Ellos me querían mucho, algunos me siguen visitando.
¿Cómo es el mundillo de artistas salvadoreños?
Es un mundo cerrado, complicado, lleno de envidias, de cosas de ese tipo. No existe la solidaridad. Los amigos son uno, dos o tres. Por ejemplo, yo soy fundador, con Camilo Minero y otros pintores, de un grupo de pintores independientes. Y hacíamos exposiciones en cualquier parte. De repente, yo parto a España (en 1950) y cuando vengo (en 1958) no está Minero ni otros, porque habían partido a México. Y aquí encuentro un odio a mi persona, porque yo era considerado un franquista. Ya no me veían como el muchacho de izquierda que les enseñó a pensar, les enseñé estética, les enseñé a leer libros... Luego ya no nos hablábamos. Y hay algunos que todavía me odian.
¿Carlos Cañas tiene enemigos?
Hay una cantidad de muchachos que yo no conozco pero que me odian. En ese grupo, ADAPES (Asociación de Artistas Plásticos de El Salvador), hay una cantidad, que no vale la pena decir sus nombres, pero escuchan mi nombre y empiezan a echar pestes. Yo ni los conozco, no he tratado con ellos.
¿Y nunca ha estado involucrado en esa asociación?
Nunca. Jamás. Yo siempre me he considerado un francotirador, me gusta la soledad.
Pinta mucho a la soledad. ¿Cuál es su relación con ella?
La soledad es un tema por excelencia. Toda mi juventud fui solitario. Ahora mi soledad la acompaña Carmen, mi esposa. Pero yo vivo solo. La sociedad permite que uno viva así.
¿Y cómo se soporta la soledad?
Me pongo a leer, escribir y pintar, para mí es una gran terapia. Mientras esté pintando paso de las 7 de la mañana hasta las 7 de la noche. Yo no me acuerdo del tiempo, ni de nadie. Estoy libre. Liberado. La soledad es cuando no hago nada. Cuando sé que hay problemas económicos y no puedo hacer nada. En la soledad me siento agobiado. Me siento fuera del humanismo, que no soy una persona. Alguien que no puede sostener su vida, porque lo único que sabe hacer es pintar y escribir un poco. Y eso es lo que quise ser. Creyendo que con eso obtenía, según mis profesores o lo que oía hablar entonces, arte para la patria. En un país donde ¿de qué sirve hacer esas cosas? Pero tenemos que hacerlas.
¿De qué color está hecho El Salvador?
Hay dos partes: el color de la miseria, serían grises de la pobreza. Y luego está el color, mi color, sobre la valoración de un país. El Salvador no tiene por qué ser triste. El color rojo es para mí un color vital. La pobreza tiene un color diferente. Nunca vamos a pintar la pobreza con colores brillantes, porque estaríamos engañando.
Viendo alrededor del estudio, hay casi igual cantidad de cuadros rojos que grises. Hay varios de los que él cataloga grises o de “tema humano”, que no tienen nada de abstracto. Un óleo gris: dos gordiflones, millonarios, sobre dos pobres entristecidos. Carlos comenta que de pequeño se acostumbró a vivir en la pobreza, no en la miseria. Que él buscó instruirse, leyendo, trabajando, que pensó “hacer arte para la patria”. Que partió a España, becado, en tiempos del dictador Francisco Franco, pero que nunca se apartó de su ideario comunista, de que un mundo más justo es posible.
El pintor que en 1984, aún en plena guerra civil, retrató la masacre del río Sumpul (obra que algunos se han atrevido a ponerle el sobrenombre de “El Guernica salvadoreño”) dice: “La valoración de una pintura es un circo. Y el circo está lleno de gente que puede pagar la entrada por su clase social. Pero hay gente que ve al circo desde el umbral”.
Ahora me acerco a una de sus pinturas abstractas, una de marrones suaves. Y hago una pregunta primitiva.
 ¿Qué significa?
Yo estudié a los mayas. Es una superficie, es arte matérico.
 ¿Y este cuadro de triángulos?
Yo lo llamé Carmen. Salarrué me decía: “Aquí está el retrato de tu mujer”. Pero no, son los triángulos de los desagües de una pared.
 Muchos lo conocen como el pionero del arte abstracto en el país. Hay otros que dicen que fue Salarrué.
No. Soy yo el que lo hago. Salarrué trae unas cosas cuando estuvo de agregado cultural en Nueva York.
Pero el abstracto lo hice yo, lo hice con escuela. Hay pintura poética, hay pintura con mucha fantasía la de Salarrué... un poco infantil, un poco de los niños. Pero pintura abstracta lo hizo al final, yo la llamaría pintura de lo ciego, de pintar estrellitas y cosas así. Pero llegar al concepto de lo abstracto, nunca llegó, yo sí lo hice. Pero eso no le quita nada a Salarrué, sino lo contrario.
¿Qué influencia ha tenido su esposa, Carmen, en su vida y obra?
Ella es una mujer de extracción campesina, pero con estudios estupendos en Letras e Historia. Carmen me condujo a pensar mejor. Eso ya lo trae el pueblo español, me enseñó el humanismo. Aquí, en cambio, hay un odio, uno contra el otro, que sigue existiendo.
En España descubrió que le interesaba la literatura, ¿sobre qué escribía?
He escrito muchos poemas. El único libro que he escrito es “Carta a Cristina”. Es un testamento poético, hablo de la historia del arte y prosa libre, nunca lo edité. Y tengo una novela autobiográfica, entre hecha y no hecha, porque mi temor es que si la termino me muero. Allí tengo los papeles. Tengo todas las relaciones de tiempo y espacio de lo que va a suceder. La literatura me dominó.
¿Qué calidad considera que tiene su literatura?
Si yo siguiera escribiendo versos, habría muy pocos poetas como yo en El Salvador. Podría ser el único. Y eso no le gustaba a los poetas cuando yo publicaba un verso. Eso no pasaba en España, un médico podía pintar y hacer versos y ser reconocido y aplaudido. Era una poesía moderna, en ese entonces.
¿Cuándo fue la última vez que escribió?
¡Uy, hace tiempos! Lo último que estuve escribiendo fue cuando estuve en el CENAR, hará seis u ocho años de eso. Escribía un tratado de cómo debe de ser una escuela de arte, cómo dominar un estilo, cómo debe de ser la música y la enseñanza. Hice varios que allí andan, tirados.
¿Tendrían aún vigencia esos tratados para el CENAR?
No. Porque eran cosas generales para ser discutidas, y en la discusión sacar lo importante para eso. La primera idea era básica: no enseñar a pintar tal como uno lo aprendió. Porque no es matemática, sino enseñar el desarrollo de la creatividad, la libertad del individuo, conociendo su material de trabajo. Lo que tenía que aprender un alumno era a manejar los materiales de trabajo, aunque fueran escasos, y con eso hacer lo que quiera, a partir de su creatividad. Eso es lo que siempre quise enseñar. Pero...
Son tiempos de Art Performances, intervención de espacios, exhibiciones de animales famélicos, ¿qué opina del arte actual?
No sabría decirlo. Para empezar no es nuevo, empezó antes del cubismo y el surrealismo. Esto es una realidad que hay que aceptar, o es una negación que yo quiero hacer. Si lo mío no es aceptado como forma pictórica, ¿cómo es posible que esto que no es ni escultura ni pintura sea aceptado como arte? El daño es tremendo. En Europa y Estados Unidos esto se da en grado mínimo. Se llegó a que un señor coge rollos de tela y cubre edificios. O aquel inglés que mete animales en formol y los vende carísimos, eso es un engaño. En Italia alguien llenó de piedras una calle y un rótulo de “Si no le gusta: cámbielo”. Hay tendencias.
En términos de cultura, ¿cómo ve al salvadoreño promedio?
Hay detalles sociales. Ahora hay más gente que estudia filosofía o periodismo, antes era poco. Ahora en los periódicos hay intentos de ensayos políticos, y el periodista hasta pone su nombre. De Osorio (1950) para acá hubo una serie de cambios... La gente ya pensaba distinto, quedaba aquello de que se embriagan demasiado. Cuando regresé al país con mi mujer le dije que íbamos a ir a un pueblo autóctono, bellísimo. Y cuando llegamos a Panchimalco me encuentro a toda la gente con jeans. Me dijeron que los gringos habían hecho allí una película de piratas y llegaron con jeans. ¡Todos los indios de Panchimalco con jeans! Desaparecieron las cosas que hacían: collares y cosas así. ¿Y cuál es el pueblo autóctono? ¿Esa película dañó al pueblo? Se dañó la cultura original, a la que nunca debería dañarse. Hay cambios. Para bien o para mal la cultura cambia.
¿Qué le falta por lograr a Carlos Cañas?
Lo que yo quiero lograr es seguir haciendo mi obra. Y que sea lo que yo quiero que sea: puntos, rayas o solo manchas. No puedo pedir un cambio para mi situación económica, porque no la voy a tener. Ya lo intenté: fui catedrático de la Universidad Nacional por 14 años y antes había sido profesor a horas clases. Nunca vi que hubiese un acceso a la gente para que compren pintura. Sí se compraban cosas, pero era una cosa relativa. Siempre viví con el sueño de que las cosas iban a cambiar...
Y el Premio Nacional de Cultura...
El Premio Nacional de Cultura me tiene ya tan cansado. Me lo debieron haber dado desde que pinté el mural del Teatro Nacional, y nunca me lo han dado. Y si me lo dan, lo rechazo, a no ser que sea la izquierda.
¿La izquierda sí reconocería su arte?
Yo siempre quise que la izquierda llegase a gobernar, el FMLN. Entonces yo iba a tener mayores soluciones a mis cosas. Es otra gente, más afín. Yo nunca he pedido nada. A partir de que he consultado, he aceptado cosas. Allí me dieron los diputados el hijo predilecto de no sé qué, y el reconocimiento Matías Delgado... Una vez la embajada mexicana cambió de agregado cultural y este llegó diciéndome: “Queremos darle la Orden de las Artes y las Letras de México”. ¿Otra vez? ¡Pero si ya me lo dieron una vez!, le dije. ¿Y sirve eso para algo? ¿Es un cheque o algo así? Y me respondió que había tantos pintores pidiendo esa orden que pensó que yo no lo tenía... He conseguido distinciones en Francia, y allí sí, me sentí feliz, me preguntaba ¿por qué Francia sí me regala esto?
Carmen, la esposa del pintor Carlos Cañas, asoma detrás de una pared. Parece que ha escuchado esta parte de la conversación. Dice que a ella le simpatizan los homosexuales, pero ironiza con que si su marido hubiese sido uno, tal vez así tendría más atención y reconocimiento de su arte. Carlos ríe, pero después dice: “Carmen espérate, déjame hablar”... “Carmen espérate”. Se pone serio y se queda viendo una revista, una en cuya portada aparece su mural, el del Teatro Nacional. “Ahora que lo estoy viendo... Si usted supiera lo que yo cobré por hacerlo... se moriría de la risa”.
¿Cuánto cobró?
No le digo. Pero cuando vieron que yo no lo quería hacer, me dijeron que se lo iban a dar a un italiano que le habían ofrecido 10,000... o 50,000 ¿Cuánto era?... ¡$40,000!
¿$40,000 costó el mural del Teatro Nacional?
No era nada. Pero si no, no se hace. Hubieran traído a un extranjero y hubiera hecho una babosada. ¿Por qué? Aquí había muchos pintores que se llamaban muralistas. Yo hice un mural mosaico en la parte delantera de la Caja de Crédito, la que estaba por la ex embajada de Estados Unidos. Un terremoto la rajó, quise repararla, pero la botaron. ¿Alguien dijo algo? Cuando se tomaron la Universidad de El Salvador, deshicieron los murales que hice, aunque sí había hecho unos políticos en el Departamento de Arquitectura, pero eran sobre todo temas mayas. Ahí encuentro un reguero de dibujos míos con huellas de zapatos. ¿Podría estar contento con este país? Las cosas pasan porque es parte de un destino, hay que aceptarlo.
¿Usted es un hombre feliz?
Si soy un hombre solitario, soy feliz en la soledad. Cuando estoy con mi esposa y mis hijos. Cuando veo que hay reconocimientos culturales y del arte soy feliz, pero eso no es constante. Tengo que estar feliz. Pero siempre me pregunto por qué este país no promueve el arte. Somos un país que vive de la cultura ajena. Julia Díaz luchó por un museo, pero fui ayer allí y me dio tristeza. Yo no quería ir a ese evento.
¿Qué le entristeció?
La miseria cultural: unos pocos asistentes.
Tiene 85 años. ¿A qué conclusión ha llegado con su arte?
Tengo la soledad llena de felicidad, creo que he logrado lo más grande. Pero cuando me despierto siento que no he logrado nada, en cuanto a que la sociedad salvadoreña entienda esta cosa. Se me han acercado muchísimos y les he enseñado muchísimo. Les he enseñado hasta cómo vestirse a gente en la universidad, pero...
¿Qué lugar ocupa su arte en el país?
No lo sé. Creo que ninguno. Aquí en casa estamos con el problema de que si me muero ¿qué hacemos con todo esto?
Hace unos años dijo que al morir iba a pedir quemar su obra porque nadie la cuidaría. ¿Eso sigue en pie?
Si yo muero antes, todo esto pasa a Carmen, mi esposa. Si ella lo quiere quemar, que lo queme. Si no, que lo regale a quien sea. Aun ni muerto voy a ser valorado en este país, como lo tiene Julia Díaz, que tiene su museo. ¡Mire a José Mejía Vides, que fue mi profesor! ¿Quién habla de él?
¿Y cuántas pinturas podrían ser calcinadas?
Tengo unas ciento y pico pinturas. Grabados y dibujos tengo más, tengo mil y pico.
Carmen asiente que quemará los muchos cuadros que la rodean. Muchos de gran tamaño y muy vistosos. Señala un cuadro con rostros de niños a punto de gritar. Parecen haberle escuchado.
¿Usted es un genio?
Me lo han dicho y he llegado a creerlo. Me lo han dicho por la prensa, afuera. Pero un genio tiene ingresos económicos, vende su obra, vive de eso. Yo he podido educar a mis hijos bastante bien... Pero tener una mujer española aquí, y que tengan que pasar 15 o 20 años para lograr llevarla de regreso a España...
¿Cuándo fue la última vez que vendió un cuadro?
Creo que a principios de este año... un señor gringo que me llamó. Que no le entendimos, solo que había estado en el Museo de Arte, y había visto mi pintura y la quería. Era un cuadro abstracto. Y el otro era un cuadro oscuro, café, que no tenía nada. Era lo que quería.
¿Cuál es el porvenir de la pintura salvadoreña a partir de lo que ha visto?
La pintura en El Salvador está muerta desde hace más de 20 años. Se ha terminado. Ha concluido. Porque al venir los conceptos nuevos, que no están basados en un conocimiento de lo que es esto, se destruye lo anterior. Se destruye. Picasso en Europa siempre está arriba; aquí ya estuviera destruido, es una porquería.
Si estuviera aquí un joven indeciso de si ser pintor o otra cosa, ¿qué le diría?
Que se va a morir de hambre. Pero si es fuerte, que continúe.







CONOZCAMOS A ANTONIO GARCIA PONCE

CONOZCAMOS A ANTONIO GARCIA PONCE


In Memoriam al pintor salvadoreño.
Por Manlio Argueta

Apenas a veinte horas de su viaje al espacio etéreo y eterno sean estas palabras mi despedida a un artista  plástico salvadoreño. Fui de los primeros en conocer la pintura de Antonio Ponce García, él llegaba a vernos (al poeta Alfonso Kijadurías y a mí) a la Editorial Universitaria Universidad de El Salvador (en 1964, casi no salía de mi oficina, aun me sentía perseguido pero también tratando de liberarme, de “ganar la calle”, como se decía en esos tiempos, y tema sobre el que escribí un cuento que me gusta mucho). La oficina, que dirigía el escritor Italo López Vallecillos, estaba situada en la 8a. y 2a. o Mon. Oscar Romero en el centro histórico que ahora es un puterío, peligroso pero decente. Siempre lo recorro como señales de identidad de nuestras vidas de artistas de un pasado que comenzó a ser favorable a los poetas pero también funesto (1964-1969) porque nos quedábamos a mitad del camino que habíamos emprendido para llegar a niveles sociales de equidad y justicia, solidaridad y paz, tal como lo pregonábamos.

Fue entonces que decidimos con Italo López Vallecillos y otros poetas, hacer La Pájara Pinta, más que una revista era una especie de desahogo visceral, de visión por hacer algo importante, que llegara a América Latina. Como sucedió. En aquel entonces, desde un país invisible en el mundo, los sudamericanos nos llamaban los poetas de la “pájara pinta”, de un país que debía existir y que se llamaba El Salvador. Ahí le publicamos sus dibujos a García Ponce. Satisfechos de hacer transcender nuestra creciente literatura más allá de nuestras fronteras sin saber que venía años fatales: la guerra. Difícil hablar de poesía.

García Ponce, un novato en pintura, se alegraba cuando le decíamos que tenía gran fuerza imaginativa y que llegaría a ser el mejor pintor de nuestro país, se ponía serio, entre creer y no creer y luego se tiraba una carcajada (él estaba comenzando su trabajo de pintor) y nos lo creía; pese a estar iniciando su carrera mientras los escritores ya habíamos subido algunos peldaños en la empobrecida carrera del arte (ganando premiecitos que nos mantenían con vida).

No me equivoqué arriba cuando lo llamo Ponce García, por lo menos así nos dijo que se llamaba. Entre bromas y juegos con un pintor que comenzaba, le propuse que mejor se llamara García Ponce (en esa época era muy conocido un narrador mexicano de ese apellido, también Antonio). “Tienes que llamarte Antonio García Ponce como el escritor”, le dije; se puso muy contento y muy anuente, era parte de su personalidad, entusiasta e inocente para aceptar a los dos poetas jodedores que se tomaban esa confianza con él. Aceptó el cambio de nombre y el inicio de una fuerte amistad.

Siento mucho no haber conversado con él luego de mi regreso de Costa Rica, después de pasar allá 21 años. Ya en El Salvador, cuando comencé a trabajar en la zona del Centro Histórico (año 2000) lo vi vagar distraído, más de una vez disimuló verme. Yo también. No sé por qué, quizás un temor a enfrentar nuestro común pasado perdido entre las tinieblas, la separación de tantos años, yo en la bien ponderada Costa Rica mientras él a lo mejor se quedó en el país en guerra, testigo de a saber cuántas tragedias.

Conversé con alguien sobre el ensimismamiento del pintor y me dijo que por las señales quizás padecía de una gran depresión, solo era un supuesto pues siempre lo veía desde la distancia, sin saber el motivo de sus tristezas y abandono. Lo percibí como abandono, pese a que nunca me cupo la idea que fuese un bohemio o que descuidara su oficio vital y poético de la pintura.

Nuestro inmenso Carlos Cañas, padre y maestro del abstraccionismo en El Salvador, es al único pintor que acepta, “García Ponce es el más valioso, el único que se salva”, afirma al hablar de las nuevas generaciones. Claro, es una de sus expresiones muy al estilo polémico del  maestro y amigo Cañas. Por algo lo dice, aunque no comparto su opinión en un 100%. Tenemos otros artistas plásticos admirables.

Ponce -en verdad nunca le dije de otra manera- me dejó varios de sus cuadros de pintura que por mi vida trashumante  fue difícil conservar, mis escasas pertenencias las dejaba en casa de amigos y familiares cuando forzosamente abandonaba el país; las dejaba en depósito; me cabe la satisfacción que los cuadros aun los conservan.

Mi error existencial: jamás le pregunté qué le pasaba, pese a advertir que se estaba autodestruyendo, parecido a un enorme dolor, víctima de una realidad que todos o la mayoría de salvadoreños hemos experimentado y con esfuerzos logramos superar o disimular.

Ponce quizás no pudo disimularlo. Varias veces lo encontré, ambos caminando en el centro histórica. La última vez no hace ni siquiera cuatro meses, pero como que entre los dos se erigió un distanciamiento de timidez (aunque no lo parezca, es uno de mis defectos que pocos saben porque si lo digo no me creen; pero tampoco importa).

Con el maestro de escuela rural en Guazapa que nos visitaba, al poeta Kijadurías y a mí en Editorial Universitaria, que bauticé como García Ponce, en ese entonces aprendiendo a pintar, y que nos seguía la corriente -a mí y a Kijadurías, al grado de aceptar cambiarse de nombre- quedo con una deuda pendiente: la imposibilidad de  repetir esos momentos difíciles de los años 60, pero constructivos en el arte y la literatura.

Quema la incertidumbre de por qué perdió su alegría; la pena y el sentimiento de no haberlo encarado. Lo investigaré en sus colores que son su sangre, sus nervios, el corazón de un artista, ahí donde vivirá desde estas horas nuestro querido García Ponce.

San Salvador, América Central, junio 21 de 2009.












jueves, 10 de abril de 2014

CONOZCAMOS A CAMILO MINERO

CONOZCAMOS A CAMILO MINERO

Camilo Minero nació en 1917, en Analco, hoy barrio San Sebastián, Zacatecoluca, Dep. de la Paz, Republica de El Salvador, C.A.

Camilo Minero surgió de manera inesperada; el deseo de pintar lo traía de nacimiento, dentro del alma. Su padre fue carpintero tallador, él mismo hacia los dibujos para sus construcciones de casas, y al mismo tiempo realizaban preciosos diseños de carrozas y carros de diferentes estilos para la procesión del “Niño de Atocha” que de 1917 a 1930 se veneraba con toda pompa en Analco.

El estimulo que incitó a Camilo Minero a pintar, fue a los 14 años, cuando observaba a Antonio Pineda Coto dibujar caricaturas y copiar los dibujos de las tarjetas que salían en cajetillas de cigarros o estampas de santos y vírgenes; pero antes Camilo, sin ser amigo de Pineda Coto, lo había admirado, porque en la escuela que dirigía don Damián Osorio, en Analco, Pineda Coto en los recreos modelaba muñequitos de barro. Camilo Minero recibió esa formidable inquietud artística que se ahondaba cada día, cuando veía dibujar a este muchacho artista zacatecoluquense.

El padre de Camilo al percatase de la vocación dominante de su hijo, y a instancias de Pineda Coto, que ya había conseguido entrar al taller del pintor y escultor, hijo de Zacatecoluca, Don Marcelino Carballo ( Carballo fue maestro de los pintores Pascasio González, Carlos Alberto Imery y de otros valores en el bello arte de la pintura), habló con el maestro Carballo, para que lo admitiese en el taller, ya que este tenia grandes deseos de aprender el oficio de pintor y escultor.

Casi cuatro años permanecieron en el Taller de Pintura de Don Marcelino Carballo. Pero siempre con la quijotada de ser artista y conocer amplios horizontes, decidieron partir, Pineda Coto y Camilo Minero, a San Salvador, dejando al maestro Carballo en Zacatecoluca, en su estudio el que alcanzó en aquellos días ser el único taller de pintura y escultura formado a su manera en el país, donde se impartían clases de pintura y escultura, excepto en la ciudad capital de San Salvador, donde ya funcionaba en forma oficial, desde 1913, la Escuela Nacional de Artes Gráficas.
Camilo Minero estudió dibujo más adelante en la Escuela Nacional de Artes Gráficas que entonces dirigía don Carlos Alberto Imery. Sin embargo, a pesar de su trabajo cotidiano de escenográfo en el Teatro Nacional, jamás disminuyeron las altas aspiraciones de destacarse como artista.

Fue uno de los fundadores de la “Sociedad de Pintores Jóvenes de El Salvador” y de los “Pintores Independientes”, De 1957 a 1960 estuvo becado en México, D.F. por el Gobierno salvadoreño; realizó estudios de pintura con el maestro Gutiérrez en el Instituto Politécnico Nacional, y grabado en el Taller de Gráfica Popular de la misma ciudad azteca. Ha viajado por los países de Centroamérica y Europa, Asia y Cuba. Fue Secretario y Presidente de JARDÍN DEL ARTE; Tesorero de la Unión General de Autores y Artistas de El Salvador “UGAASAL”; Socio-Fundador de CASA DEL ARTE.     
Siempre su pintura ha sido de expresión social, aun en los temas indigenistas y arqueológicos; su pintura simboliza la inquietud permanente que debe poseer el hombre, de superarse, de salir algún día de la ignorancia; que luche por ser hombre en el verdadero sentido de la palabra.

Actualmente trabaja su pintura casi especialmente en los temas del niño. El mismo manifiesta “que el niño es lo que mas conmueve su corazón aquí en la tierra”.
Su pintura en amarillos y de composición geométrica visible que ha adoptado desde hace muchos años en todas sus obras, se debe, según sus palabras: “Desde que estuve en México, becado por el Gobierno de mi país, los murales de Diego Rivera me impresionaron mucho, y quería analizarlos no tanto en su temática social que también intriga mi corazón, sino la composición geométrica que desarrolló el maestro Diego Rivera en sus obras. Siempre traté de estudiar esa composición en los murales, en libros y en forma objetiva, es decir, en teoría y en la práctica. Estoy convencido que para comprender la verdadera euritmia del arte es lo mejor, situarse ante los murales y obras de caballete de los grandes maestros.

De repente salí trazando diagonales, me salió como eje de expresión artística. Todos los artistas griegos, del Renacimiento, manieristas, neoclásicos y muchos más, trazaron líneas geométricas basadas en el equilibrio rítmico del hombre, es decir, en las medidas universales, con la variedad que la mayoría de ellos lo ocultaron como trazado, pero están subyacentes en el conjunto. Yo dejo esos trazados visibles, a veces en llenos y otras en vacíos como una sensación calidoscópica, en formas prismáticas o de luces quebradas, en busca de la cuarta dimensión.

Sobre el amarillo, si creo es una innovación de mi tradicional expresión estética. Todos nuestros pintores no  buscan los colores que los identifiquen ante otros pintores, excepto cuatro o cinco pintores que yo conozco; los demás emplean los mismos azules, celestes, rosados y verdes bonitos; el amarillo le tienen miedo. Extienden sobre la tela con algunas gamas de colores pintorescos y panorámicos, trabajan con tonalidades adormecedores, fríos y deprimentes.

Yo aplico los amarillos frenéticos, cálidos, los rojos vivos e irritantes que provoquen la furia y la cólera revelante; el blanco quiere decir paz; los anaranjados y los sienas son atenuantes, acordes de los amarillos. Presiento que esta explicación que planteo es muy corta, pero también es necesario recordar los límites de tiempo y espacio. Espero que algún día, desde luego pronto  escribir mis teorías pictóricas, basadas en mis propias experiencias.

La obra de Camilo Minero ha sido discutida por pintores y poetas, por las innovaciones que ha aplicado, tanto en el colorido como en la composición, también el sentido social de sus sentimientos.

Han comentado la obra de Minero, algunos comentaristas de artes plásticas, como ejemplo: Quino Caso, Jorge Lardé y Larin, Ricardo Rivera, Carlos Cañas, Ricardo Dueñas, Francisco Hernández Segura, Juan Pérez, Raúl Elas Reyes, Eugenio Martínez Orantes, Pablo Risa, Mario Hernández Aguirre, David Alfaro Siqueiros, Raúl Vides Morán, Luis Galindo, Miriam Calero de Martínez, ALDEF, Pablo de J. Márquez, Rogelio Sinan, Elías Castillo A., Dario Dossier, Jorge A. Cornejo, Héctor Armando Magaña, Serafín Quiteño, Mercedes Durand, Mauricio de la Selva, Clementina Suárez, Francisco Aragón, Dra. Matilde Elena López, León Plancarte Silva, Federico Rodolfo Pardo, Luis Gallegos Váldez, Danilo Velado, Italo López Vallecillos, Claudia Lars, Ricardo Trigueros de León, Salvador Pérez Gómez, Orlando Fresedo, Antonio Gamero, Pablo Antonio Cuadra, Julio Ernesto Contreras, Pedro Geoffroy Rivas, Ricardo Martel Caminos, Edmundo Valencia, José Enrique Silva, Horacio Rivas, Ricardo Bogrand, Dr. José Enrique Silva, Francisco Escalante, Armando Herrera, Mario Castrillo, Dr. David Escobar Galindo, y otros...

Escritores y periodistas que han divulgado la obra de camilo Minero por medio de fotograbados y grabados en páginas de Arte y Letras en diarios salvadoreños: Dr. Juan Felipe Toruño, del Diario Latino; Luis Mejía Vides, de la Prensa Gráfica; ALDEF, de la Prensa Gráfica; Ricardo Trigueros de León, de El Diario de Hoy; Luis Fuentes Hernández, de El Diario de Hoy; Pedro Geoffoy Rivas, de la Tribuna Libre; Jorge A. Contreras, de El Diario de Hoy; Ing. Enrique Altamirano, de El Diario de Hoy.





 





CONOZCAMOS A CARLOS ALBERTO IMERY

CONOZCAMOS A CARLOS ALBERTO IMERY

Carlos Alberto Imery (18 de marzo de 1879 - 27 de julio de 1949) fue un pintor y profesor de artes gráficas salvadoreño.

Biografía
La familia de Carlos Imery era reconocida en la ciudad de San Salvador por el estudio fotográfico que mantenían en las cercanías de la Plaza Francisco Morazán. Desde pequeño comenzó a realizar copias de láminas con mucha habilidad, y al llegar a la secundaria inició el aprendizaje del dibujo y la pintura por recomendación de uno de sus profesores a su padre.

Su primer maestro fue Marcelino Carballo y realizó su primera exposición en 1903 en el taller de Luissi y Ferracutti.  Para el año 1904 partió a Italia junto a Miguel Ortiz Villacorta donde estudió en el Real Instituto de Bellas Artes de Roma gracias a una beca concedida por el presidente Pedro José Escalón.

Cuando regresó a El Salvador en 1911, tenía pensado divulgar su obra e iniciar una escuela, pero sus objetivos se retrasaron por falta de dinero, y tampoco tuvo éxito en la venta de sus cuadros. Pese a todo se dedicó a confeccionar carrozas para las fiestas agostinas y exhibía su obra en las vitrinas de ferreterías y almacenes. Sin embargo, recibió el apoyo del presidente Manuel Enrique Araujo para establecer una Escuela de Dibujo y Pintura en su propio hogar en 1912. 
Posteriormente el presidente Carlos Meléndez le dio fundación formal con la promulgación del decreto del 15 de septiembre de 1913 en el que se creó la Escuela Nacional de Artes Gráficas, dirigida por el mismo Imery.

Dicha escuela enseñaba pintura, litografía, mecanografía, y tipografía, entre otros artes y oficios. En opinión de Camilo Minero, quien fue uno de sus alumnos, la enseñanza impartida en la institución era muy completa, y también el maestro Imery era una persona exigente con sus estudiantes. Para el crítico de arte Luis Retana, la escuela insertó «al país en la modernidad práctica», mientras que Jorge Cornejo asevera que la historia de la pintura salvadoreña inició, de hecho, con el magisterio de Imery.

Otros alumnos que pasaron por la escuela fueron Carlos Cañas, César Sermeño, Luis Alfredo Cáceres Madrid, Luis Ángel Salinas y José Mejía Vides, entre otros.

Aunque no era pintor prolífico, Carlos Imery dejó obras de temáticas locales como Maíz, Campesinos, Volcán de San Salvador, Muchacho de la máscara y La ceiba del cementerio. También fungió como conservador de monumentos nacionales; profesor de dibujo de la Escuela Politécnica Militar y la Escuela Normal de Maestros; se desempeñó en la cátedra de dibujo, perspectiva y sombra en la Escuela de Ingeniería de la Universidad de El Salvador; y ostentó el cargo de director del Museo Nacional entre 1928 y 1930. Además, se mantuvo al frente de la Escuela de Artes Gráficas hasta su muerte.


Fueron sus padres Mercedes Peña y Benito Imery, y tuvo cinco hermanos. Contrajo matrimonio con Concepción Castro en 1915 con quien procreó tres hijos. Padeció de una enfermedad en los ojos que le obligó a dejar su carrera de pintor hasta 1920, aunque no dejó la docencia.






jueves, 20 de marzo de 2014

Estreno de documental en el MUNA

Estreno de documental en el MUNA

La QUIMERA de pintar el centro de San Salvador
Marvin Aguilar

Este 21 de marzo a las 7:00 PM en el MUNA se estrena QUIMERAS trabajo documental del novel cineasta y productor de RADICALES Edson Amaya. La entrada es libre.
QUIMERA, nos relata la dicotomía entre la violencia urbana o delincuencial que a diario podemos ver o sufrir en el centro de San Salvador con el argumento de como un pintor: RENACHO Melgar que junto a otros artistas visuales se han mudado al centro para darle desde las artes unos trazos que no pasan desapercibidos y que le dan color, quizá hasta hacían falta esos tonos para darle el toque surrealista oficial desde el art camp a nuestra capital.

El documental desde un filtro de colores atractivos e impecable edición igualmente es un repaso a lugares, situaciones y personajes urbanos, cómicos, peligrosos y de suspenso del tan temido centro histórico sansalvadoreño. Un recorrido que alguna vez debemos hacerlo y que este documental puede ser un entremés para ese viaje pendiente hacia el mitológico centro.

Comparto con ustedes el tráiler

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miércoles, 26 de febrero de 2014

Entrevista con Jorge Galán, poeta, cuentista y novelista salvadoreño

Entrevista con Jorge Galán, poeta, cuentista y novelista salvadoreño

"Prefiero ver fútbol, salir a comer, ver una película, que ir a una lectura de mis poemas"

En el último mes, en España ha sonado El Salvador por razones lejanas a los índices de violencia o "El Mágico" González. El motivo fue la presentación de la novela "La habitación al fondo de la casa" de Jorge Galán, con Valparaíso Ediciones. Galán habló con El Faro sobre la novela, la manera en la que se abrió camino en el mundo literario y sus opiniones sobra la literatura salvadoreña.

Por María Luz Nóchez
Publicado el 23 de febrero de 2014

"Bendecido". Esa es la palabra con la que Jorge Galán expresa cómo se siente por el camino que se está abriendo en las letras regionales e internacionales. En 2006, cuando se planteó más allá del anhelo que quería ser escritor, dejó los tenis y la cancha de básquetbol en barrio San Jacinto y se postuló al Premio Adonais de Poesía. Lo ganó. Si bien el Adonais, en especias, no significó más que cien ejemplares del poemario y una pieza del escultor español Venancio Blanco, sin ceremonia siquiera que le permitiera hacerse de contactos en España, sí le abrió las puerta en algunas editoriales. "Al menos ya estaban dispuestas a leerte", explica.

Ahora, casi 10 años después y ya establecido gracias a las antologías en que ha sido incluido y a su poemario publicado por Visor, la única gran editorial en español dedicada a la poesía, ha vuelto a España para publicar su tercera novela, la primera publicada en ese país, auspiciada por el sello Valparaíso Ediciones. Durante un mes, Galán visitó 12 ciudades en las que realizó alrededor de 20 presentaciones. Un trabajo cansado, explica, pero que le compensaba cada vez que se enfrentaba a un nuevo salón repleto de personas que habían leído su libro. Al influjo revitalizador de esas jornadas de trabajo se suma la satisfacción del escritor por haber recibido un gesto de generosidad de parte de Almudena Grandes, una de las escritoras a las que más admira por su trayectoria. "Escribió el prólogo, nadie se lo pidió. Fue conmovedoramente generosa. A mí me impactó muchísimo".

Galán se confiesa un hombre tímido. Pese al éxito de sus libros en el exterior, le suena ostentoso que se le llame el más reconocido autor de su generación fuera de las fronteras, y prefiere decir que "gracias a Dios" su curiosidad e ingenuidad le ha permitido llegar hasta donde está hoy. Cree, eso sí, que apenas ha empezado a avanzar. De las críticas, de las posibles envidias, trata de abstraerse. Se inclina más en invertir sus energías en escribir. Lo demás, dice, son cosas que pasan.

Incómodo ante cámaras y entrevistas, suele pedir que se le anticipen las preguntas y negarse a posar. Pero de España ha vuelto relajado, menos a la defensiva, y poco a poco la conversación se va volviendo más fluida. Incluso es él quien introduce el tema de cómo vivió desde la Dirección de Letras en la Secretaría de Cultura la superficialidad con que se mira a las artes, sobre todo a la literatura, en los pasillos del poder político. Una concesión poco habitual en alguien que, al hablar, trata de protegerse en el caparazón del optimismo.

Para leer más sobre la entrevista visite la siguiente dirección


jueves, 16 de enero de 2014

EL SALVADOR ES DE TODOS







Memorandum de Entendimiento. En el marco de la vicepresidencia de la Comisión de Desarrollo Social de las Naciones para el período 2013-2014 y la vicepresidencia de la Comisión de la Condición Jurídica y la mujer para el período 2014-2015 para. H.E. Sr. Carlos Enrique García González, representante permanente de El Salvador ante las Naciones Unidas y el Sr. Jorge Alberto Guzmán, presidente de Ikarus Gallery Cultural Program, Inc. Establecen a través de este Memorandum, la voluntad de unir esfuerzos con el fin de promover la Cultura y los asuntos sociales, el desarrollo económico y sostenible, la promoción de los Derechos Humanos y la Dignidad de los grupos más vulnerables (mujeres, niños, jóvenes y ancianos, los migrantes y los pueblos indígenas) de Centroamérica desde la perspectiva multilateral de las Naciones Unidas, incluida la logros y el progreso de los Objetivos de Desarrollo del Milenio de las Naciones Unidas para la Región Centroamericana. New York 16 de enero 2014.

miércoles, 8 de enero de 2014

II Festival de Cine Indígena “RAYO DE LUZ QUE VIVIFICA LA TIERRA”


HI-PROProductions
 

CONVOCATORIA DE PRENSA

                    

II Festival de Cine Indígena

“RAYO DE LUZ QUE VIVIFICA LA TIERRA
Fecha:   Viernes 10 de Enero de 2014
Lugar:     Típicos ANDREA (Un culto a los Dioses Mayas), Desvio Sfo.          
                    Chinameca/Santiago Texacuangos, calle panorámica, entrada por 
                    Carretra a Comalapa, Dep. de La Paz. El Salvador.
Hora:      1:00 p.m.
 
En el marco  del aniversario del Genocidio de 1932, las voces e imagen de los pueblos indígenas de El  Salvador,  Guatemala y el Perú,  se harán presentes, como símbolo de la resistencia y desafío ante los tiempos  post-coloniales, con el  fin  de promover los derechos de los pueblos originarios y sus tradiciones; así como también proteger el medioambiente de nuestra tierra ancestral.
 
El II Festival de Cine Indígena RAYO DE LUZ QUE VIVIFICA LA TIERRA, se desarrollará los días 18 y 19 de Enero de 2014,  en el punto donde convergen  los pueblos ancestrales de San Francisco Chinmaeka y Santiago Texacuangos (conocido como el Desvío), camino a San Miguel/San Juan Tepezontes y los pueblos Mazagua, sobre la calle Panorámica a Cojutepec, La Paz, El Salvador; sobre la  sagradas montanas de Chansierpe.
 
Este  Festival es organizado por  Huevos Indios Production (HI-PRO) quien realiza actividades de colaboración, intercambio y apoyo mutuo entre comunidades originarias indígenas, como forma integral del desarrollo cultural indígena, así como capacitación, producción y difusión del cine y video. HI-PRO Productions, quien ha venido trabajando en los últimos años con el Comité  de Desarrollo Comunal del Cantón Candelaria,  La Asociación de Desarrollo Comunal de El Triunfo, ADESCOTFO, jurisdicción de San. Francisco. Chinameca en el Dep. de La Paz, con el objetivo de  promover el desarrollo local y la cultura ancestral originaria. Por tanto nosotros, miembros de esta comunidad en mención, queremos hacer nuestro aporte, muy especificamente a través de las artes, la cultura y las comidas ancestrales.
 
Para mayor informacion:                       
Juan Francisco Delabarca                                      
Móvil   (503) 6103-1525                                             
franciscodelabarca@yahoo.com                        
 

Daniel Flores y Ascencio
HI-PRO Productions
Movil 
(503) 7067-3856 Yuraktucu@yahoo.com